Historia de tradiciones de la música clásica

La música se encuentra en cada cultura conocida, pasado y presente, variando como un loco entre tiempos y sitios. Ya que toda la gente del mundo, incluso los grupos tribales más aislados, tiene una forma de la música, se puede concluir que la música probablemente estará presente en la población ancestral antes de la dispersión de gente alrededor del mundo. Por consiguiente la música puede haber sido existente durante al menos 50,000 años y la primera música se puede haber inventado en África y luego haberse desarrollado para hacerse un componente fundamental de la vida humana.

La música de una cultura es bajo la influencia de todos otros aspectos de esa cultura, incluso organización social y económica y experiencia, clima y acceso a la tecnología. Las emociones e ideas que la música expresa, las situaciones en las cuales la música se toca y se escucha, y las actitudes hacia reproductores de música y compositores que todos varían entre regiones y períodos. "La historia de la música" es el subcampo distinto de musicología e historia que estudia la música (música seria particularmente Occidental) desde un punto de vista cronológico.

Eras de la historia de la música

Música prehistórica

La música prehistórica, una vez más comúnmente llamada la música primitiva, es el nombre dado a toda la música producida en culturas prealfabetizadas (prehistoria), comenzando en algún sitio en la historia geológica muy tardía. La música prehistórica es seguida de música antigua en la mayor parte de Europa (1500 BCE) y músicas posteriores en áreas influidas por los europeos subsecuentes, pero todavía existe en lugares aislados.

La música prehistórica así técnicamente incluye toda la música del mundo que ha existido antes del advenimiento de cualquier fuente histórica actualmente existente acerca de esa música, por ejemplo, música indígena tradicional de tribus prealfabetizadas y música Aborígena australiana. Sin embargo, es más común remitir a la música "prehistórica" de continentes no europeos – sobre todo lo que todavía sobrevive – como la gente, música indígena o tradicional. El origen de la música es desconocido como ocurrió antes del advenimiento de la historia registrada. Unos sugieren que el origen de la música probablemente proviene de sonidos que ocurren naturalmente y ritmos. La música humana puede repetir estos fenómenos usando modelos, repetición y tonalidad. Incluso hoy, algunas culturas tienen ciertos casos de su música que tiene la intención de imitar sonidos naturales. En algunos casos, este rasgo se relaciona con creencia shamanistic o práctica. También puede servir el entretenimiento (animoso) o práctico (atraer animales en la caza) funciones.

Es

probable que el primer instrumento musical fuera la propia voz humana, que puede hacer una serie enorme de sonidos, de canto, tarareo y silbido a través de a clic, toses y bostezo. En 2008 los arqueólogos descubrieron una flauta del hueso en la cueva de Hohle Fels cerca de Ulm, Alemania. La flauta cinco agujereada tiene una boquilla V-shaped y se hace de un hueso del ala del buitre. Los tubos de madera conocidos más viejos se descubrieron cerca de Greystones, Irlanda, en 2004. Un hoyo rayado por la madera contuvo un grupo de seis flautas hechas de la madera del tejo, entre 30 y 50 cm de largo, afilado a un final, pero sin cualquier agujero del dedo. Se pueden haber atado con correa una vez juntos.

Período bíblico

Según el Diccionario de la Biblia de Easton, Jubal fue llamado por la Biblia como el inventor de instrumentos musicales (General 4:21). Muy dieron a los hebreos a la cultivación de la música. Su historia entera y literatura se permiten pruebas abundantes de esto. Después del Diluvio, la primera mención de la música está en la cuenta de la entrevista de Laban con Jacob (General 31:27). Después de su paso triunfal del Mar Rojo, Moisés y los niños de Israel cantaron su canción de la liberación (Excepto. 15). Pero el período de Samuel, David y Solomon era la edad de oro de la música hebrea, como era de la poesía hebrea. La música sistemáticamente se cultivó por primera vez ahora. Era una parte esencial de formación en las escuelas de los profetas (1 Sam. 10:5). Allí ahora también se levantó una clase de cantantes profesionales (2 Sam. 19:35; Eccl. 2:8). El Templo de Solomon, sin embargo, era la grande escuela de la música. En la conducción de sus servicios los grupos grandes de cantantes entrenados y jugadores en instrumentos constantemente se empleaban (2 Sam. 6:5; 1 Chr. 15:16; 23; 5; 25:1-6). En la vida privada también parece que la música ha sostenido un lugar importante entre los hebreos (Eccl. 2:8; Amos 6:4-6; Isa. 5:11, 12; 24:8, 9; Ps. 137; Jer. 48:33; Luke 15:25).

La música y los eruditos del teatro que estudian la historia y la antropología de la cultura judeo-cristiana Semítica y temprana, también han descubierto relaciones comunes entre actividad teatral y musical en las culturas clásicas de los hebreos con aquellos de las culturas posteriores de los griegos y romanos. El área común de rendimiento se encuentra en un "fenómeno social llamado la letanía," una forma de rezo que consiste en una serie de invocaciones o súplicas. El Diario de Religión y Teatro nota que entre las formas más tempranas de la letanía, "La letanía hebrea fue acompañada por una tradición musical rica:"

: "Mientras la Génesis 4.21 identifica Jubal como el “padre de todos como el mango el arpa y tubo,” el Pentateuco es casi silencioso sobre la práctica e instrucción de la música en los años mozos de Israel. Entonces, en mí Samuel 10 y los textos que siguen, una cosa curiosa pasa. “Uno encuentra en el texto bíblico,” escribe Alfred Sendrey, “un aumento repentino e inexplicado de coros grandes y orquestas, consistiendo en a fondo organizado y entrenó grupos musicales, que serían prácticamente inconcebibles sin la preparación larguísima, metódica.” Esto ha llevado a algunos eruditos a creer que el profeta Samuel era el patriarca de una escuela que enseñó no sólo a profetas y hombres santos, sino también músicos del rito sagrado. Esta escuela de la música pública, quizás el más temprano en la historia registrada, no se restringió a una clase sacerdotal - que es cómo el muchacho del pastor David aparece en la escena como un juglar al rey Saul."

Música antigua

Se considera que la era prehistórica ha terminado con el desarrollo de escritura, y con ello, por definición, música prehistórica. "La música antigua" es el nombre dado a la música que siguió. La "canción conocida más vieja" se escribió en la escritura cuneiforme, datando a hace 4,000 años de Ur. Fue descifrado por el catedrático Anne Draffkorn Kilmer (la universidad de California en Berkeley), y se demostró para formarse en armonías de tercios, como gymel antiguo, y también se escribió usando una afinación de Pythagorean de la escala diatónica. El ejemplo de sobrevivencia más viejo de una composición musical completa, incluso la nota musical, de dondequiera en el mundo, es el epitafio de Seikilos.

Los dobles tubos, como los usados por los griegos antiguos, y gaitas antiguas, así como una revisión de dibujos antiguos en floreros y paredes, etc., y escrituras antiguas (tal como en Aristóteles, problemas, el Libro XIX.12) que describió técnicas musicales del tiempo, indican la polifonía. Un tubo en los pares aulos (doblan flautas) probablemente servido como un zumbido o "tónica", mientras los otros pasos melódicos jugados. Los instrumentos, como los siete agujerearon la flauta y los diversos tipos de instrumentos de cuerda se han recuperado de la civilización del valle de Indus sitios arqueológicos.

La música clásica india (marga) se puede encontrar de las escrituras de la tradición hindú, Vedas. Samaveda, uno de cuatro vedas, describe la música con mucho detalle. La historia del desarrollo musical en Irán (música persa) se remonta a la era prehistórica. Atribuyen al grande rey legendario, Jamshid, con la invención de la música. La música en Irán se puede remontar hasta los días del Imperio de Elamite (2,500-644 a. de J.C.). Los documentos fragmentarios a partir de varios períodos de la historia del país establecen que los persas antiguos poseyeron una cultura musical complicada. El período Sassanid (d.J.C 226-651), en particular, nos ha abandonado motivo fundado que señala a la existencia de una vida musical animada en Persia. Los nombres de algunos músicos importantes como Barbod, Nakissa y Ramtin y títulos de algunos de sus trabajos han sobrevivido.

El término era de la música Temprana también se puede referir a la música folklórica o contemporánea pero tradicional, incluso música asiática, música persa, música de India, música judía, música griega, música romana, la música de Mesopotamia, la música de Egipto y música musulmana.

Música temprana

La música temprana es un término general usado para describir la música en la tradición clásica europea de después de la caída del Imperio Romano, en 476 d. C., hasta el final de la era Barroca en medio del 18vo siglo. La música dentro de esta envergadura enorme del tiempo era muy diversa, cercando tradiciones culturales múltiples dentro de una amplia área geográfica; muchos de los grupos culturales de los cuales Europa medieval se desarrolló ya tenían tradiciones musicales, sobre las cuales poco se conoce. Lo que unificó estas culturas en la Edad media era la Iglesia Católica Romana y su música servida como el foco para el desarrollo musical durante el primer mil de años de este período. Muy poca música no cristiana a partir de este período sobrevivió, debido a su supresión por la iglesia y la ausencia de la nota de la música; sin embargo, la música folklórica de Europa moderna probablemente tiene raíces al menos hasta donde la Edad media.

Música seria occidental

Música medieval

Mientras la vida musical era indudablemente rica en la era Medieval temprana, como certificado por pinturas artísticas de instrumentos, escrituras sobre la música y otros archivos, el único repertorio de la música que ha sobrevivido hasta 800 para el día de hoy es el canto llano música litúrgica de la Iglesia Católica Romana, la parte más grande de que se llama el Canto gregoriano. Se afirma por lo general que el Papa Gregory I, que dio su nombre al repertorio musical y puede haber sido un compositor, es el creador de la parte musical de la liturgia en su forma presente, aunque las fuentes que dan detalles de su fecha de contribución a partir de más de cien años después de su muerte. Muchos eruditos creen que su reputación ha sido exagerada por la leyenda. La mayor parte del repertorio del cántico se formó anónimamente en los siglos entre el tiempo de Gregory y Charlemagne.

Durante el 9no siglo vario desarrollo importante ocurrió. En primer lugar, había un gran esfuerzo por la iglesia para unificar muchas tradiciones del cántico y suprimir muchos de ellos a favor de la liturgia de Gregorian. En segundo lugar, la música polifónica más temprana se cantó, una forma del canto de la paralela conocido como organum. En tercer lugar, y del mayor significado en la historia de la música, la nota se inventó de nuevo después de un lapso de aproximadamente quinientos años, aunque fuera más varios siglos antes de un sistema del tono y la nota de ritmo desarrolló tener la precisión y flexibilidad que los músicos modernos dan por supuesto.

Varias escuelas de la polifonía prosperaron en el período después de 1100: la escuela de S. Martial de organum, la música de que a menudo era caracterizada por una parte rápidamente móvil sobre una línea sostenida sola; la escuela de la Notre Dame de la polifonía, que incluyó a los compositores Léonin y Pérotin, y que produjo la primera música para más de dos partes alrededor de 1200; el crisol musical de Santiago de Compostela en Galicia, un destino de peregrinación y sitio donde los músicos de muchas tradiciones vinieron juntos en la última Edad media, la música del que sobrevive en el Códice Calixtinus; y la escuela inglesa, la música de que sobrevive en los Fragmentos Worcester y el Viejo Manuscrito del Pasillo. Junto a estas escuelas de la música sagrada una tradición vibrante de la canción secular se desarrolló, como ejemplificado en la música de los trovadores, trouvères y Minnesänger. La mayor parte de la música secular posterior del Renacimiento temprano evolucionó de las formas, ideas y los estéticos musicales de los trovadores, poetas finos y músicos itinerantes, cuya cultura en gran parte se exterminó durante la Cruzada Albigensian a principios del 13er siglo.

Las formas de la música sagrada que se desarrolló durante finales del 13er siglo incluyeron el motete, conductus, contrapunto y clausulae. Un desarrollo extraño era Geisslerlieder, la música de grupos errantes de flagellants durante dos períodos: el medio del 13er siglo (hasta que fueran suprimidos por la iglesia); y el período durante e inmediatamente después de Peste negra, alrededor de 1350, cuando sus actividades vivamente se registraron y se bien documentaron con la música notada. Su música mezcló estilos de la canción tradicional con textos penitenciales o apocalípticos. El 14to siglo en la historia de la música europea es dominado por el estilo de la nova ars, que según la convención se agrupa con la era medieval en la música, aunque tuviera mucho en común con ideales del Renacimiento tempranos y estética. La mayor parte de la música de sobrevivencia del tiempo es secular, y tiende a usar los apuros de formes: la balada, el virelai, el lai, los rondeau, que equivalen a formas poéticas de los mismos nombres. La mayor parte de piezas en estas formas son por su parte a tres voces, probablemente con el acompañamiento instrumental: los compositores famosos incluyen a Guillaume de Machaut y Francesco Landini.

Música del renacimiento

El principio del Renacimiento en la música como claramente no se marca como el principio del Renacimiento en las otras artes, y a diferencia de en las otras artes, no comenzó en Italia, pero en Europa del norte, expresamente en el área que actualmente comprende Francia central y del norte, los Países Bajos y Bélgica. El estilo de los compositores de Burgundian, como la primera generación de la escuela franco flamenca se conoce, era al principio una reacción contra la complejidad excesiva y estilo amanerado de finales del 14to siglo ars subtilior, y contuvo la melodía clara, cantable y equilibró la polifonía de todas las voces. Los compositores más famosos de la escuela de Burgundian a mediados del 15to siglo son Guillaume Dufay, Gilles Binchois y Antoine Busnois.

Antes del medio del 15to siglo, los compositores y los cantantes de los Países Bajos y áreas contiguas comenzaron a extenderse a través de Europa, sobre todo en Italia, donde fueron empleados por la capilla papal y los patrones aristocráticos de las artes (como Medici, Este y las familias de Sforza). Llevaron su estilo con ellos: la polifonía lisa que se podría adaptar al uso sagrado o secular como apropiada. Las formas principales de la composición musical sagrada entonces eran la masa, el motete y el laude; las formas seculares incluyeron el chanson, el frottola, y más tarde el madrigal.

La invención de imprenta tenía una influencia inmensa en la diseminación de estilos musicales, y junto con el movimiento de los músicos franco flamencos, contribuidos al establecimiento del primer estilo realmente internacional en la música europea desde la unificación de Canto gregoriano bajo Charlemagne. Los compositores de la generación media de la escuela franco flamenca incluyeron a Johannes Ockeghem, que escribió la música en un estilo complejo de contrapunto, con la textura variada y un uso complicado de dispositivos canónicos; Jacob Obrecht, uno de los compositores más famosos de masas en las décadas pasadas del 15to siglo; y Josquin des Prez, probablemente el compositor más famoso en Europa antes de Palestrina, y quien durante el 16to siglo era renombrado como uno de los mayores artistas en cualquier forma. La música en la generación después de Josquin exploró la complejidad creciente del contrapunto; posiblemente la expresión más extrema está en la música de Nicolas Gombert, cuyas complejidades de contrapunto influyeron en la música temprano instrumental, como el canzona y el ricercar, que por último culmina en el Barroco fugal formas.

Antes del medio del 16to siglo, el estilo internacional comenzó a estropearse, y varias tendencias estilísticas muy diversas se hicieron evidentes: una tendencia hacia simplicidad en música sagrada, como dirigido por el Consejo de la Contrarreforma de Trent, ejemplificado en la música de Giovanni Pierluigi da Palestrina; una tendencia hacia la complejidad y chromaticism en el madrigal, que alcanzó su expresión extrema en el estilo de vanguardia de la Escuela Ferrara de Luzzaschi y finales de siglo madrigalist Carlo Gesualdo; y la música grandiosa, sonora de la escuela veneciana, que usó la arquitectura de la Basílica San Marco di Venezia para crear contrastes de antiphonal. La música de la escuela veneciana incluyó el desarrollo de la orquestación, adornó partes instrumentales y partes bajas continuo, todas de las cuales ocurrieron dentro de una envergadura de varias décadas alrededor de 1600. Los compositores famosos en Venecia incluyeron Gabrielis, Andrea y Giovanni, así como Claudio Monteverdi, uno de los innovadores más significativos al final de era.

La mayor parte de partes de Europa tenían tradiciones musicales activas y bien diferenciadas antes de finales del siglo. En Inglaterra, los compositores como Thomas Tallis y Guillermo Byrd escribieron la música sagrada en un estilo similar a esto escrito en el continente, mientras un grupo activo de madrigalists de cosecha propia adaptó la forma italiana a gustos ingleses: los compositores famosos incluyeron a Thomas Morley, John Wilbye y Thomas Weelkes. España desarrolló estilos instrumentales y vocales de su propio, con Tomás Luis de Victoria que escribe la música refinada similar a ese de Palestrina y numerosos otros compositores que escriben para la nueva guitarra. Las formas polifónicas cultivadas de Alemania añadieron las corales protestantes, que sustituyeron el Canto gregoriano Católico como una base para la música sagrada e importaron el estilo de la escuela veneciana (el aspecto de que definió el principio de la era Barroca allí). Además, los compositores alemanes escribieron cantidades enormes de la música del órgano, estableciendo la base para el estilo del órgano Barroco posterior que culminó en el trabajo de J.S. Bach. Francia desarrolló un estilo único de la dicción musical conocida como musique mesurée, usado en chansons secular, con compositores como Guillaume Costeley y Claude Le Jeune prominente en el movimiento.

Uno de los movimientos más revolucionarios en la era ocurrió en Florencia en los años 1570 y años 1580, con el trabajo de Florentine Camerata, que irónicamente tenía una intención reaccionaria: insatisfecho con lo que vieron como depravaciones musicales contemporáneas, su objetivo era restaurar la música de los griegos antiguos. El jefe entre ellos era Vincenzo Galilei, el padre del astrónomo y Giulio Caccini. Las frutas de sus trabajos eran un estilo de canto melódico declamatorio conocido como monody, y una forma dramática organizada correspondiente: una forma conocida hoy como ópera. Las primeras óperas, escritas alrededor de 1600, también definen el final del Renacimiento y el principio de las eras Barrocas.

La música antes de 1600 era modal, más bien que tonal. Vario desarrollo teórico a finales del 16to siglo, como las escrituras por balanzas en modos por Gioseffo Zarlino y Franchinus Gaffurius, condujo directamente al desarrollo de la tonalidad de la práctica común. Las balanzas principales y menores comenzaron a predominar sobre los viejos modos de la iglesia, un rasgo que era al principio el más obvio a puntos de cadential en composiciones, pero gradualmente se hizo penetrante. La música después de 1600, comenzando con la música tonal de la era Barroca, a menudo se refiere como perteneciendo al período de la práctica común.

Música barroca

La música instrumental se hizo dominante en el Barroco, y la mayor parte de formas de la música principales se definieron. El contrapunto era una de las fuerzas principales tanto en el instrumental como en la música vocal del período. Aunque una tradición musical religiosa fuerte siguiera, la música secular empezó a destacar con el desarrollo de la sonata, el concierto y el concierto grosso.

Mucha música Barroca se diseñó para la improvisación, con un bajo calculado proporcionado por el compositor al ejecutante para desarrollar y adornar. El teclado, en particular el clavicordio, era un instrumento dominante, y los principios de bien el temperamento abrieron las posibilidades de juego en todas las llaves y de la modulación.

Mucha música Barroca presentó un basso continuo consistiendo en un teclado, clavicordio u órgano (a veces un laúd en cambio), y un instrumento bajo, como una viola da gamba o fagot. Los tres compositores excepcionales del período eran Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel y Antonio Vivaldi, pero una multitud de otros compositores, unos con la salida enorme, era activa en el período.

Era de la música clásica

La música del período Clásico es caracterizada por la textura homophonic o una melodía obvia con el acompañamiento. Estas nuevas melodías tendieron a ser casi parecidas a una voz y cantables, permitiendo compositores sustituir realmente a cantantes como el foco de la música. La música instrumental por lo tanto rápidamente sustituyó la ópera y otras formas cantadas (como el oratorio) como el favorito del auditorio musical y el epitome de la gran composición. Sin embargo, la ópera no desapareció: durante el período clásico, varios compositores comenzaron a producir óperas para el gran público en sus lenguas maternas (las óperas anteriores estaban generalmente en italiano).

Junto con el desplazamiento gradual de la voz a favor de melodías más fuertes, más claras, el contrapunto también típicamente se hacía un floreo decorativo, a menudo usado cerca del final de un trabajo o para un movimiento solo. En su lugar, los modelos simples, como arpegios y, en la música del piano, bajo de Alberti (un acompañamiento con un modelo repetido típicamente en la mano izquierda), eran usados para animar el movimiento de la pieza sin crear una voz adicional confusa. La música instrumental ahora popular fue dominada por varias formas bien definidas: la sonata, la sinfonía y el concierto, aunque ninguno de éstos expresamente se definiera o diera clases entonces como están ahora en la teoría de la música. Todos los tres se derivan de la forma de la sonata, que es usada para referirse tanto a la forma que recubre de un trabajo entero como a la estructura de un movimiento solo. La forma de la sonata maduró durante la era Clásica para hacerse la forma primaria de composiciones instrumentales a lo largo del 19no siglo.

El período Clásico temprano fue acompañado en por la Escuela de Mannheim, que incluyó a tales compositores como Johann Stamitz, Franz Xaver Richter, Carl Stamitz y Christian Cannabich. Ejerció una influencia profunda en Joseph Haydn y, a través de él, en toda la música europea subsecuente. Wolfgang Amadeus Mozart era la figura central del período Clásico, y su salida fenomenal y variada en todos los géneros define nuestra percepción del período. Ludwig van Beethoven y Franz Schubert eran compositores de transición, que conducen al período Romántico, con su extensión de géneros existentes, formas, y hasta funciones de la música.

Música romántica

En el período Romántico, la música se hizo más expresiva y emocional, ampliándose para cercar la literatura, el arte y la filosofía. Los compositores Románticos tempranos famosos incluyen a Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini y Berlioz. Finales del 19no siglo vio una extensión dramática en la talla de la orquesta, y en el papel de conciertos como la parte de la sociedad urbana. Los compositores famosos a partir de la segunda mitad del siglo incluyen a Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Tchaikovsky, Verdi y Wagner. Entre 1890 y 1910, una tercera onda de compositores incluso Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini, y Sibelius añadió el trabajo de compositores Románticos medios para crear aún más complejo – y a menudo mucho más largo – trabajos musicales. Una señal prominente de finales de música del 19no siglo es su fervor nacionalista, como ejemplificado por tales cifras como Dvořák, Sibelius, y Grieg. Otras cifras del siglo tardío prominentes incluyen al Santo-Saëns, Fauré, Rachmaninoff y Franck.

Música del 20mo siglo

El 20mo siglo vio una revolución en la música escuchando ya que la radio ganó la popularidad los medios mundiales y nuevos y las tecnologías se desarrollaron para registrar, capturar, reproducir y distribuir la música. Las representaciones de la música se hicieron cada vez más visuales con la emisión y la grabación de vídeos de la música y conciertos. La música de todas las clases también se hizo cada vez más portátil. Los audífonos permitieron que la gente que se sienta el uno al lado del otro escuchara representaciones completamente diferentes o compartiera el mismo rendimiento.

La música del 20mo siglo trajo una nueva libertad y amplia experimentación con nuevos estilos musicales y formas que desafiaron las reglas aceptadas de la música de períodos más tempranos. La invención de amplificación musical e instrumentos electrónicos, sobre todo el sintetizador, a mediados del 20mo siglo revolucionó la música popular y aceleró el desarrollo de nuevas formas de la música.

Música clásica

La música clásica es un término amplio, algo impreciso, refiriéndose a la música producida en, o arraigado en las tradiciones de arte, música del concierto y eclesiástico. Una música es clásica si incluye algunos rasgos siguientes: una tradición culta, apoye de la iglesia o gobierno o mayor capital cultural. La música clásica también se describe como complejo, duración, superior, y abstracta. En muchas culturas una tradición clásica coexistió con la música popular o tradicional, de vez en cuando durante miles de años, y con niveles diferentes del préstamo mutuo con la tradición paralela.

Bizancio

Música bizantina (griego:  ) es la música del Imperio Bizantino formado a textos griegos como ceremoniosa, festival o música religiosa. [1] los historiadores griegos y extranjeros están de acuerdo que los tonos eclesiásticos y en general el sistema entero de la música Bizantina son estrechamente relacionados al sistema griego antiguo. [2] permanece el género más viejo de la música existente, de la cual la manera del rendimiento y (con la exactitud creciente a partir del 5to siglo adelante) los nombres de los compositores, y a veces los detalles de las circunstancias de cada trabajo musical, se conocen.

Asia

La música asiática cubre las culturas de la música de Arabia, Asia Central, Asia Oriental, Asia del Sur y Asia Sudoriental.

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India

La música india es una de las tradiciones musicales más viejas en el mundo. La civilización del Valle Indus dejó esculturas que muestran el baile y los instrumentos musicales (unos ya en el uso), como los siete no agujerearon la flauta. De los diversos tipos de los instrumentos de cuerda y tambores se han repuesto Harrappa y Mohenjo Daro las excavaciones realizadas por el señor Mortimer Wheeler. El Rigveda tiene elementos de la música india presente, con una nota musical para denotar el metro y el modo de canto. La tradición musical india temprana también habla de tres acentos y música vocal conocida como "Samagan" (Sama que quiere decir la melodía y Gan que piensa cantar). La música clásica de India incluye dos tradiciones principales: la música de Carnatic del sur y la música clásica de Hindustani del norte. La tradición de la música clásica de India es milenarios mucho tiempo y permanece importante para las vidas de indios hoy como una fuente de inspiración religiosa, expresión cultural y entretenimiento.

La música clásica india (marga) es monofónica, y basada en una línea de la melodía sola o raga rítmicamente organizado a través de talas. La música de Carnatic es en gran parte piadosa; la mayoría de las canciones se dirige a las deidades hindúes. Hay muchas canciones enfatizando el amor y otras cuestiones sociales. En contraste con la música Carnatic, la música de Hindustani no era sólo bajo la influencia de tradiciones musicales hindúes antiguas, filosofía Védica y sonidos indios natales sino también por las prácticas de rendimiento persas de Mughals afgano. Los orígenes de la música clásica india se pueden encontrar de la más vieja de escrituras, la parte de la tradición hindú, Vedas. Samaveda, uno de cuatro vedas describe la música con mucho detalle.

China

La música clásica china es el arte tradicional o la música del tribunal de China. Tiene una historia larga que se estira durante más de tres mil años. Tiene sus propios sistemas únicos de nota musical, así como afinación musical y tono, instrumentos musicales y estilos o géneros musicales. La música china es pentatonic-diatónica, teniendo una escala de doce notas a una octava (5+7 = 12) como hace la música influida por los europeos.

Oriente Medio

Persia

La música persa es la música de Persia y países de la lengua persas: musiqi, la ciencia y arte de la música, y muzik, el sonido y rendimiento de la música (Sakata 1983). Ver: Música de Irán, Música de Afganistán, Música de Tajikistán, Música de Uzbekistán.

Grecia

Griego la historia escrita se extiende lejos atrás en Grecia Antigua y era una parte principal del teatro griego antiguo. En Grecia antigua, los coros del género variado funcionaron para entretenimiento, celebración y motivos espirituales. Los instrumentos incluyeron la doble caña aulos y el instrumento de cuerda arrancado, la lira, sobre todo la clase especial llamó un kithara. La música era una parte importante de la educación en Grecia antigua, y enseñaron a muchachos música que comienza a la edad de seis años.

Muestras

Fuentes

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